PROJET
Anibal Catalan conçoit ses peintures, dessins et installations comme une forme d’architecture domestique experimentale. À travers ses toiles aux couleurs éclatées, il dépeint les éléments architecturaux : murs, toits, piliers, escaliers comme s’ils étaient déformés par des forces externes et vus à travers une perspective exagérée. Inspiré par la mégalopole, il décrit la ville de Mexico comme un endroit ouvert et libre chargé par son désordre et son état constant de débordements et de crises. Il décrit son travail comme «un labyrinthe sans fin avec de multiples entrées et sorties ».Par ses peintures, Anibal Catalan cherche à créer un espace paradoxal où le spectateur pourra ressentir un moment l’ordre et le calme et sombrer dans le chaos l’instant suivant.

BIO
Fanny Mesnard est née en 1980 à Angoulême (France). Après avoir soutenu un DEA en Lettres et Arts à l'Université d'Aix/ Marseille et obtenu son DNSEP à l'Ecole Supérieure des Beaux Arts de Marseille la même année, en 2004, elle continue à développer sa pratique en peinture dans le sud de la France où elle réside. Elle participe notamment à la Biennale des Jeunes Créateurs de Méditérannée en Europe, Puglia 2008. Elle travaille depuis maintenant trois ans sur des figures de grands singes; les primates apparaissent dans des camaïeux colorés, peints de manière très spontanée. Cette rapidité d'exécution lui permet de produire une série de tableaux pour chaque nouvelle exposition, lui permettant de développer, parallèlement à ses recherches picturales, une réflexion sur son rapport à l'installation.

PROJET
OTHER affirme entretenir une relation amour-haine avec la peinture en galerie et en atelier. En dépit du fait que ses peintures, dessins et estampes paient les factures, elles ne lui apportent pas le même sentiment de liberté et de transgression que le graffiti. « Chaque année, je peins quelques murs. Je ne peux expliquer le sentiment que procure le fait de peindre un train de marchandises pendant une violente tempête de neige… la lumière… l’air frais…c’est une réelle liberté. » Dispersées à travers l’Asie, l’Europe et l’Amérique du nord, ses graffitis au style réaliste, ses compositions imaginatives et ses poèmes forment une sorte de journal intime épars.

BIO
Graeme Patterson est né en 1980 à Saskatoon (Saskatchewan). Il étudie au Dundas Valley School of Art ainsi qu’à l’Université de Saskatchewan. Il obtient son baccalauréat en arts visuels du Nova Scotia College of Art and Design en 2002. Son exposition Woodrow, présentée à l’origine à la Art Gallery of Nova Scotia est en tournée à travers le Canada depuis 2006. Elle a été vue à Montréal, Calgary, Victoria, Toronto et Saskatchewan. De 2006 à 2008, Graeme Patterson a habité à Woodrow (Saskatchewan) mais est retourné vivre à Halifax tout récemment. Certaines de ses œuvres font partie de collections publiques, telles que : the National Gallery of Canada, the Art Gallery of Nova Scotia, the Beaverbrook Art Gallery, the Rooms Provincial Art Gallery, the Mendel Art Gallery and the Saskatchewan Arts Board.

PROJET
Graeme Patterson a développé au fil de ses divers projets une technique très personnelle d’animation en « stop motion », qui consiste à créer un mouvement image par image à partir d’objets immobiles. Ce « Do it yourself » est constant dans toutes les facettes de sa production. Ses projets peuvent être regroupés sous l’appellation d’installations sculpturales mais sont en fait un mélange de vidéo, robotique, audio, musique et éléments interactifs. Son travail est largement inspiré par ses souvenirs personnels et diverses expériences de vie combinés à une bonne dose de fantasme et de surréalisme. Ses installations amènent le regardeur dans un univers où le ludique n’est jamais totalement innocent. Dans le cadre du Symposium, il propose un projet basé sur son obsession personnelle face à la danse. Il souhaite produire au cours de l’événement une série d’animations en « stop motion » illustrant sa propre interprétation et compréhension de la danse traditionnelle québécoise. Pendant son séjour à Baie-Saint-Paul, il prendra des leçons de danse et traduira son expérience à l’intérieur de deux séquences animées mettant en scène son propre corps ainsi que des figurines à échelles réduites.

PROJET
Les œuvres photographiques d’Annie Baillargeon sont à la confluence des arts visuels, des arts médiatiques et de l’art performance. Utilisant le corps humain en tant que motif, elle le réduit à une échelle infiniment petite. Elle le démultiplie par des moyens numériques afin de tisser de façon chorégraphique des historiettes et des énigmes. Elle invite le regard du spectateur à basculer dans des univers loufoques, caustiques et tragiques qui questionnent la condition humaine et rappellent la tyrannie psychotique collective et individuelle de notre société. Ses inspirations proviennent de la culture de masse, de l’univers cinématographique, des contes de fées, des anciennes traditions esthétiques et de certains clichés attribués à l’univers féminin. Au cours du Symposium, elle mettra en place un mini studio de prise de vue afin d’entrer en connivence avec le public. Les visiteurs seront invités à se prêter au jeu de la photographie dans un univers préalablement élaboré par l’artiste à l’aide de costumes et d’accessoires. L’identité des modèles sera effacée, seule la forme des corps et leurs gestes seront exploités en tant que motifs des constructions ornementales d’Annie Baillargeon.

PROJET
« L’idée globale de mon travail est une forme de méditation consciente qui inclut les images et les objets du quotidien. La méditation vécue au quotidien n’est autre que la transformation de l’esprit; c’est une révolution psychologique qui fait que l’existence quotidienne telle que nous la vivons est pleine de compassion, d’amour et de l’énergie nécessaire pour transcender toute forme de petitesse et de médiocrité. J’essaie de me servir de cette idée-technique dans l’atelier et dans mon quotidien pour guider mes choix. C’est ce qui dynamise mon travail et nous pourrions aussi dire que c’est sa ligne de pensée, son leitmotiv. Mon travail artistique débute là ou une attitude de vie et la recherche d’une spiritualité vivante prennent forme au-delà des peurs, des névroses et des préoccupations parasitaires. Il est le véhicule d’un processus mental plutôt qu’un style esthétique qui tente de faire voir la possibilité de l’ouverture et joue avec l’idée de retrouver la connexion universelle : le contact avec le tout. Par mon travail artistique, je tente de faire découvrir cet espace où il est possible de voir les choses avec une incertitude tranchante, intelligente et curieuse de tout. La nature de cet espace est l’ouverture, un endroit inconnu qui nous nourrit et nous fais paniquer à la fois. »

BIO
Titulaire d’un Baccalauréat en arts Visuels de l’université Concordia (2002) ainsi que d’une maîtrise en Arts Visuels de l’université Laval (2006), il a présenté son travail dans nombreuses galeries et centre d’artistes du Québec et du Canada et il est maintenant représenté par la Peak Gallery à Toronto. Prochainement, son travail sera présenté à Gatineau au centre Art-Image, à Toronto à la Peak Gallery et en 2009 à Montréal à la galerie d’art d’Outremont et au centre des arts actuels SKOL. En 2007, Dan Brault recevait une bourse de recherche-création et de voyage du Conseil des Arts et des Lettres du Québec. Dan Brault vit et travaille à Québec.

PROJET
À la manière d’un DJ, Dan Brault propose un art de l’échantillonnage qui va au-delà du simple jeu de citations et d’emprunts. «Ma pratique en peinture est basée sur la confrontation d’images de diverses provenances esthétiques. De celle-ci découle une production de tableaux aux styles et techniques variés, allant de la peinture hard edge à la bande dessinée, en empruntant à certains genres classiques comme le paysage et la nature morte. » Pour le Symposium, l’artiste propose de faire cohabiter dans l’espace de son studio une quinzaine de tableaux aux différentes dimensions, formes et variations stylistiques. Des techniques comme la détrempe à l’œuf, la cire saponifiée, la peinture à l’aérographe, l’acrylique, la peinture à l’huile seront utilisés. Au fur et à mesure de leur élaboration, les tableaux seront disposés, regroupés et agencés aux murs de sorte qu’ils dialoguent, se répondent, se confrontent et se complètent dans une sorte de syntaxe chaotique et visuelle. La configuration de l’œuvre (l’installation murale) sera en constante transformation tout au long du Symposium. En ce sens, l’expérience esthétique sera progressive et éphémère renouvelant à chaque fois la relation du public avec l’œuvre présentée.

BIO
Josée Landry-Sirois vit et travaille à Québec. Elle est détentrice d’un baccalauréat en arts plastiques et d’un diplôme du microprogramme de deuxième cycle en édition de livres d’artistes de l’École des arts visuels de l’Université Laval. Elle s’intéresse à l’image photographique, au collage, au livre d’artiste, à l’installation et au dessin. En 2005, elle participait à la résidence collective des artistes de la relève de Québec Residence story/the artist, the survivor, présenté par la Chambre Blanche dans le cadre de la Manif d’art 3. Elle participe à l’événement Massacre à la scie et est récipiendaire de la bourse Yaflo remise lors de l’exposition des finissants au baccalauréat en arts plastique de l’Université Laval en 2004. Elle a été nominée pour le prix Vidère de la relève en 2005.

PROJET
Le récit autobiographique est au centre de la démarche artistique de Josée Landry-Sirois et soustend une quête existentielle dont le processus ne connaît ni forme préconcue ni achèvement. Véritable laboratoire de l’intime, l’œuvre de Josée Landry-Sirois convie le spectateur à découvrir un espace narratif qui révèle tout autant qu’il voile l’intériorité de l’artiste. Se positionnant elle-même au centre d’une filature où s’entremêlent réalité et fiction, elle dessine et photographie ses rencontres quotidiennes, collectionne des objets anodins, archive méticuleusement les allumettes qu’elle craque et les gommes qu’elle mâche et cumule des notes et des anecdotes dans des séries de cahiers. « Pour ce Symposium, je désire construire un récit fabulé en dessins à partir de mes rencontres avec vous, le public. Vous serez les modèles que je personnifierai en animaux… Je m’entends déjà te dire que tu ressembles à un tigre… »

BIO
Mathieu Valade est originaire de Salaberry-de-Valleyfield en Montérégie. Il a obtenu un baccalauréat en arts visuels de l’UQÀM en 2003 et une maîtrise de l’Université Laval dans la même discipline en 2005. Il compte plusieurs expositions solos à son actif, notamment au Centre d’exposition Circa à Montréal, au Lieu à Québec et à Espace virtuel à Chicoutimi. Il a aussi participé à plusieurs manifestations collectives dont une exposition à l’Alternator Gallery à Kelowna (B.C.) dans le cadre d’un échange entre l’Œil de poisson et l’Alternator Gallery et d’une exposition au Centro Desarolo des Artes Visuals à la Havane à Cuba. Mathieu Valade compte parmi les membres fondateurs du collectif Pique-Nique, un organisme voué à l’intrusion spontanée d’art en contexte public depuis 2001. Pique-Nique compte une dizaine de manifestations artistiques à son actif. Mathieu Valade siège aussi au conseil d’administration de l’Œil de poisson à Québec.

PROJET
«Ma pratique sculpturale se penche sur différents modes d’hybridation des références à l’objet. Avec pour assise les volumes de nature géométrique, les formes simples que je réalise, évoquent différents objets du quotidien : mobilier, design industriel ou architecture. Sans jamais nommer la chose directement le volume devient discrètement une table, une boîte de transport, un phare maritime, référant ainsi au connu, à l’interprétable, mais à la fois confondu par l’objet géométrique dont l’efficacité silencieuse brouille les pistes et les références au réel. Mis en contexte, les objets que je réalise s’installent dans les lieux pour lesquels ils sont conçus de manière à s’incorporer à la fonction de celui-ci. Dans un lieu d’exposition plus traditionnel, l’accumulation d’objets et de constructions vient jouer sur la notion d’exposition et de mise en valeur de certains éléments dans un parcours où rien ne se donne à voir, à moins de s’attarder, de contourner ou d’ouvrir. »

BIO
Née à Shawinigan, Josette Villeneuve obtient un baccalauréat en arts visuels de L’université du Québec à Trois- Rivières. Sélectionnée pour la 2e Biennale national de sculpture contemporaine de Trois-Rivières, son installation Un monde à raccommoder 2 fait l’objet d’une présentation dans la revue Art Le Sabord (lieux privés). Récipiendaire de la bourse Loto-Québec en 2006, elle a aussi reçu cette même année le Prix Audace Télé-Québec remis par le Conseil de la Culture de la Mauricie. Josette Villeneuve a réalisé plusieurs œuvres d’intégration à l’architecture et à l’environnement et elle a à son actif de nombreuses expositions solos en plus de participer à des événements de façon régulière.

PROJET
Josette Villeneuve privilégie l’intégration d’éléments récupérés à ses processus de création. En 2003, elle découvre une nouvelle matière pauvre qui lui apparaît à la fois somptueuse et étrangement riche : les étiquettes de vêtements. Assemblées et cousues ensemble à la manière d’une courtepointe, chacune des étiquettes collectées et triées méthodiquement par l’artiste porte en elle-même la marque d’un lieu, d’un travail, d’un savoir faire. Son intention pour le Symposium est de créer quatre drapeaux dont l’iconographie et les proportions seront respectées mais dont le sens sera détourné. Véritable melting pot d’inscriptions de pays de toutes provenances, où se côtoient les made in Bangladesh et hecho en Cuba, les drapeaux de Josette Villeneuve ouvrent le discours sur les problématiques identitaires de nos sociétés en mutations à l’heure de la mondialisation et trouvent une résonance troublante dans l’actualité géopolitique du monde en ces périodes conflictuelles.